Eva Rubinstein: una oferta, una coartada, un saludo...

¿Qué es una fotografía? Hay quien la ve como una gota de mercurio, un sueño claro y límpido; para otros puede ser un mensaje del subconsciente, un garabato que será descifrado no se sabe cuándo ... dentro de muchos años, quizá.
"Es un monólogo que intenta hacerse coloquio, una oferta, una coartada, un saludo. Nos puede acometer o acariciar, puede expresar amor o ultraje, dar testimonio de credo político, profundizar nuestro concepto de la vida y de la muerte.
Si está demasiado inundada de luz, nos deslumbra; si se oculta demasiado en la sobra, nos confunde. Dice el poeta (Stanley Kunitz, N. d. A): 'En lo más profundo del alma sé que vivo y muero. Al mismo tiempo. Mi misión es transmitir este diálogo. Son palabras de Eva Rubinstein, gran fotógrafa que no quiere llamarse siquiera "fotógrafa" ("soy una persona que hace fotografías") y que se niega vehementemente a que se le aplique la palabra "artista".

Eva Rubinstein es, ante todo, ese algo simple y complejo que es una criatura humana. Es mujer en el sentido más completo de la palabra: hija, esposa, compañera, madre.
Humana al cien por ciento, pero dotada al mismo tiempo de una sensibilidad superior al nivel humano ordinario; y también del don de expresada. Y lo ha demostrado de múltiples modos.
Antes de dedicarse a la fotografía, en efecto, Eva Rubinstein siguió con gran éxito dos carreras teatrales: la danza clásica y el teatro. Contaba apenas cinco años cuando comenzó a tomar lecciones de danza en París con la célebre Matilda Kszesinska. Continuó luego en California y demás lugares adonde la condujo el destino. Hizo una gira por el mundo entero, incluida Italia, donde se presentó con comedias musical como The Girl in the Pink Tights (La muchacha del leotardo rosa) y Oklahoma. Se la aplaudió como actriz, entre otros personajes, en el papel de Margot, hermana Anna, en la versión teatral del Diario de Anna Frank presentada en Broadway, 195' 1956. Su actividad teatral, iniciada en Hollywood con un notable éxito en la comedia Montmartre el año 1952, se trasladó después a varios teatros neoyorkinos, y particularmente a los del llamado "off Broadway", teatros situados generalmente en la zona bohemia de Greenwich Village, caracterizados por su nivel económico más modesto, pero con niveles artísticos a veces muy superiores a los teatros de relumbrón Broadway.

 Eva Rubinstein no da mucha importancia a estos éxitos. "Como bailarina y como actriz -dice- hice siempre cosas creadas por otros. La composición musical, la coreografía, el vestuario, todo estaba hecho por otras personas, como también los textos de las comedias en que intervenía, la dirección escénica, etc. En aquella época yo tenía necesidad de todo eso. Estaba demasiado poco segura de mí misma, tenía demasiado miedo a asumir la más mínima responsabilidad."

Sólo posteriormente, con la fotografía, Rubinstein se sentirá con valor para "actuar por su cuenta" sin tener que apoyarse en nadie. Pero antes de llegar a ese momento pasarán doce años de vida dolorosa, doce años de matrimonio difícil y borrascoso, maternidad, de separaciones. Participó también en actividades políticas, en luchas p ideales como los derechos civiles, la abolición del hambre en el mundo, etc. Y entre tanto, casi en secreto, Eva Rubinstein fue poetisa o, como ella diría, escribió y sigue escribiendo poesías.

La infancia de Eva Rubinstein puede parecer desde fuera maravillosa, pero en realidad estuvo llena de traumas, de miedos y de incertidumbre. Hija de Arthur Rubinstein uno de los más grandes virtuosos del piano de todos los tiempos, conoció los esplendores, mas también las tinieblas de una vida vivida a la sombra de los grandes. Su madre, Nela, procedía de una de las mejores familias católicas de Varsovia. Era hija de un gran director de orquesta polaco, Emil Mlynarsky, con el que el joven pianista Rubinstein había tocado el piano desde la época en que Nela era aún una niña. Cuando se casaron, el esposo tenía 44 años y la esposa apenas la mitad. Eva, la primogénita, nació en Buenos Aires durante una gira concertística de su padre, y debe su nombre a la heroína de Los maestros cantores de Nuremberg de Wagner, que se representaba precisamente el día de su nacimiento, 18 de agosto de 1933.

Los sufrimientos comenzaron muy pronto. Con los padres de viaje, la niña, casi de pe¬cho todavía, quedaba a menudo en manos de institutrices. Otras veces, cuando viajaba con ellos, era una sucesión de lugares nuevos, desconocidos, un despertar en habita¬ciones de hotel siempre distintas, un encontrarse entre personas extrañas, entre niños cuya lengua desconocía, con los que no podía jugar. No iba a la escuela, sino que le daban clase los mejores profesores en casa, como era costumbre en los ambientes aristocráticos y ricos de Europa.
Casi todas las fotografías de Eva Rubinstein reflejan estas experiencias: niños solos, rara vez sonrientes. En estas fotografías se repite a menudo el tema de una niña que mira, apartada del parque, a un grupo de niños que juegan.

Pero si la inestabilidad de la vida fuera de casa pesaba sobre la niña solitaria, más difícil era aún la vida en familia. El pianista famoso e idolatrado del público tenía necesidad de adoración también en su casa. Arthur Rubinstein daba lo mejor de sí al arte y poco a la familia. Fascinante y amable cuando se sentía admirado, podía transformarse en tirano cuando alguien osaba contradecirle. Su mujer, Nela, sufría mucho con esta situación tan difícil para los hijos (Eva tiene dos hermanos y una hermana menor), pero oscilaba siempre entre el amor a ellos y la devoción a su marido. Eva, quizá la más sensible de los cuatro, estaba tan intimidada que no tenía valor para expresarse ni para opinar personalmente. "Por eso hablo hoy como un torrente, sin parar -dice sonriendo-. Aún tengo miedo a que alguien me mande callar".

Pero no todo fue negativo. La casa donde se respiraba música y arte le infundió una profunda pasión por la música, y las visitas a los museos en casi todas las capitales del mundo sentaron las bases para lo que sería su vocación fotográfica. Eva Rubinstein admite, en efecto, que debe mucho a la influencia de los grandes pintores, y de modo particular a Jan Vermeer, por la serena calidad de sus luces, que encontramos a menudo en los interiores fotografiados por ella. También la influencia de Andrew Wyeth y de Edward Hopper, con su sentido de aislamiento y los cuadros de tierras solitarias, queda reflejado en el trabajo de Rubinstein, sobre todo en la foto Casa oscura, tomada en la isla irlandesa de Aran el año 1970.

La luz, por otra parte, es un elemento predominante en la fotografía de Eva Rubinstein. A veces entra a raudales por puertas y ventanas, a veces se refleja en los rostros de las personas y en los objetos; en ocasiones parece querer penetrar con fuerza, como en la foto Luz, 100 liras, donde la luz pugna por entrar a través de las rendijas del portón de una iglesia, mientras el cartel del muro indica que para ver los frescos hay que pagar 100 liras por un minuto de iluminación artificial. Extrañamente, la luz que se infiltra del portón forma una cruz blanca luminosa.
Y como, a fin de cuentas, toda fotografía es un autorretrato, la luminosidad, sobre todo de los trabajos más recientes, representa un elemento positivo en la vida de la autora.

 

No ha sido la suya una vida fácil, como queda dicho. Tras una infancia y adolescencia vividas en un clima donde la benevolencia alternaba a menudo con súbitos y violentos accesos de ira, Eva Rubinstein se refugió en un matrimonio que tampoco sería un camino de rosas. Contaba veintidós años cuando se casó con el reverendo William Sloane Coffin Jr., ministro presbiteriano. Hombre de Dios, idealista, defensor de los más oprimidos, activista en favor de los derechos del hombre, comprometido en la lucha contra el hambre en el mundo y contra la guerra, el reverendo Coffin era también hombre de talento, escritor, orador, músico y deportista. ¿Qué más se podía desear? Cuando se casaron, Coffin era un joven capellán de una escuela media para niños en el Estado de Massachusetts; pero pronto fue promocionado a capellán de la universidad de Yale (que, junto con Harvard, es una de las principales de los Estados Unidos). Fueron años ricos en acontecimientos importantes y estimulantes, años vitales, históricos. Eva compartió los ideales de su marido y participó en diversas manifestaciones con él. Hubo la famosa marcha sobre el Pentágono en Washington, reuniones y asam-bleas, y Eva conoció a personajes como Martin Luther King, Adlai Stevenson y el presidente Kennedy. Alguna vez acabó en la cárcel. Y sirvió en el Peace Corps, en Puerto Rico, el programa de asistencia a los países subdesarrollados impulsado por el propio John Kennedy.

Pero el panorama comenzó a ensombrecerse. Llegaron los hijos. Arny, Alexander y David, los tres nacidos en el espacio de tres años (Arny en enero y Alex en diciembre de 1958, David en 1960). Con los niños aún muy pequeños, la madre se encontró J menudo sola durante meses enteros, mientras su marido luchaba por alguna causa noble y sublime lejos de ella. Y así pareció repetirse la eterna dicotomía: un hombre dedicado a los más elevados ideales y olvidando su propia familia; apoyo moral para todos, mas no para los suyos. Como antes el genio musical, también el idealista amante de la humanidad, acabó por faltar en el plano simplemente humano.

Y así, al cabo de doce años, al borde del agotamiento nervioso, Eva Rubinstein dejó a su marido, dejó a los hijos y comenzó a rehacer una vida. No tenía otra opción. Ella, que nunca había dado un paso por su cuenta, que no tuvo una preparación profesional, salvo para el teatro, al que no esperaba retornar, que siempre había dependido de otros, se vio abocada a un gran vacío. ¿Cómo podía llevar consigo a los niños y mantenerlos? Dejándolos en su ambiente, con sus compañeros, facilitándoles el modo de continuar en los mismos colegios, optó por el mal menor, y el tiempo le daría la razón. Los hijos crecieron sustancialmente sanos, sin excesivos complejos, no muy diferentes de los de casi todos los jóvenes de nuestros días. "Son unos chicos magníficos" -dice con orgullo, "estamos muy compenetrados y ninguno de ellos parece resentirse del pasado. A veces discutimos, pero se trata siempre de pequeñeces, no de cosas importantes. En las cosas importantes, las que cuentan, he encontrado siempre plena comprensión."

Tomado de: N.F. Estudio de Fotografía

Eva Rubinstein firmando uno de sus libros

Robert Mapplethorpe: erótica exquisita

Nació en Long Island en 1946, en el seno de una familia acomodada y de tradiciones consolidadas. A los 16 años se fue de casa para instalarse en Brooklyn y estudiar pintura y escultura. Su interés por la fotografía fue creciendo a medida que crecía su interés por las imágenes prohibidas de los sex-shops. Sus primeros collages provienen de recortar fotografías de las revistas pornográficas.Comenzó su carrera fotográfica usando una Polaroid, y con la única finalidad de poder usar estas fotografías como inspiración y guía de su pintura. Sus primeras fotos fueron autorretratos y retratos de su compañera sentimental Patti Smith (cantante-artista y poeta de reconocido talento).

Poco a poco fue mejorando su técnica y ampliando su repertorio a base de hacer retratos en sus círculos más cercanos, los cuales los formaban artistas, compositores, estrellas del cine porno y la mayoría de la escena underground de Brooklyn. Entre los retratos que realizó podemos encontrarnos con personajes de fama mundial como el excéntrico Andy Warhol, el escritor William Burroughs (El almuerzo Desnudo), el poeta Jim Carroll (al que retrató durante una relación sexual gay) o al cantante Mick Jagger. El escándalo siempre rodeó su obra y sus exposiciones estaban llenas de polémica y prohibiciones. Y es que en muchas ocasiones, la temática de sus fotos, sobrepasaba con creces lo "socialmente aceptado": desnudos, relaciones sadomasoquistas, genitales erectos y parejas homosexuales. Pero su intención no era escandalizar, el trataba de encontrar lo inesperado y de capturar imágenes que no se hubieran visto antes. En una de sus declaraciones dijo: "Me encontraba en el lugar adecuado para sacar esas fotos y sentí la obligación de hacerlas". En cualquier caso su trabajo no termina aquí, ya que también tiene series espléndidas dedicadas a los retratos de celebridades o la belleza de los flores. Sabemos que también se inició en el mundo del cine con una serie de cortometrajes, pero la crudeza de las imágenes y el escándalo le impidieron hacer carrera en este sector. Sus películas rara vez se han visto y son realmente difíciles se conseguir. Algunos de los títulos son : "Robert Anillándose El Pezón" o "Patti Cambiándose La Compresa". Murió de SIDA el 9 de marzo de 1989. Antes de morir fundó The Robert Mapplethorpe Fundation, Inc, una fundación que por un lado financia investigaciones médicas sobre el SIDA y por otro programas institucionales sobre fotografía.

La obra fotográfica de Man Ray

Toda la obra fotográfica de Man Ray puede definirse como fascinante y desconcertante a la vez.
Una imparable mezcla de invención, juego y goce.

No es difícil imaginar a Man Ray divirtiéndose realmente cuando fotografiaba, ya fuese con ese afán de alquimista en el que consistían sus rayogramas (fotografía sin cámara) o en esos desnudos fetichistas solarizados.

La fotografía se convierte en un mero pincel al servicio de su búsqueda de la belleza en lo cotidiano.
'Hay tantas maravillas en un vaso de vino como en el fondo del mar', que le dedicaría Paul Eluard.

Trata, como si fuese un pionero, de descubrir nuevos caminos en el mundo del arte, y tanto, que ha sido él, pintor, el máximo responsable de que la fotografía sea considerada como una de las bellas artes.

Intuitivo y emocional su obra se reparte entre bodegones y naturalezas muertas por un lado y retratos -de los personajes más significativos de la época que le tocó vivir- y desnudos protagonizados por mujeres fatales por otro.


Retratos que aparte de su valor documental, son concebidos como una reflexión cercana a lo psicológico del personaje, acentuando su tratamiento formal para acercarse a él.

Sus objetos, en los que podemos incluir los rayogramas, con composiciones muy estudiadas, transcienden de lo cotidiano para tomar vida propia y formar parte de un mundo onírico, en el más puro estilo surrealista, en el que las cosas no son lo que son. No se trata de fotografiar la realidad sino de recrearla.

Desnudos, casi teatrales, que nos presentan, en perfecto equilibrio, a mujeres llenas de atractivo sexual, pero que entran a formar parte de un juego compositivo.

Fotógrafo enigmático desde su nacimiento, no se sabe muy bien su apellido, hasta su muerte, ya que por su expreso deseo no se puede publicar su epitafio.

Para conocerlo deberemos viajar a París y en el cementerio de Montparnasse, aclarar el misterio.
En definitiva un fotógrafo peculiar. Trabajador incansable e inquieto, que ha dejado su influencia hasta nuestros días.

Comentario: Fernando del Río Ojuel
Fuente: El Angel Caído

La dimensión personal de Annie Leibovitz

Las fotos más insólitas, bellas y emocionantes de la fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz (1949) no son las de los personajes famosos que le dieron su reputación, sino las que toma día a día de su familia y amigos.

Originales, estéticas, atrevidas e impactantes son las imágenes de los actores, políticos o músicos que la fotógrafa ha captado con su cámara desde 1990 hasta hace tres años; composiciones elaboradas en las que ella entabla una relación muy personal con su modelo. 

Pero su faceta más humana, su fotografía más natural, espontánea e incluso sorprendente se descubre con las fotos de su gran familia judía: sus hijas -la primera, Sarah, alumbrada a los 51 años, y sus gemelos Samuelle y Susan, de una madre de alquiler- y, sobre todo, de su amante, la escritora Susan Sontag, ya fallecida.

Muy íntima y espontánea es una imagen de 1996 de la cantante Patti Smith con sus dos hijos, Jackson y Jesse, en un rincón de su casa, entre sus instrumentos musicales y junto a su gato. Intercaladas con estas fotos de gran formato y entablando una cierta tensión, están las del álbum personal de Leibovitz, muchas de ellas de sus padres y hermanos o de sus hijas y, en otro registro de la artista, las que tomó en Sarajevo en pleno asedio serbio, en 1993.

Pero las fotografías más profundas son las que Leibovitz hizo a su amante, Sontag, en sus últimos días, hasta su muerte por cáncer, el 28 de diciembre del 2004, poco antes de la de su propio padre, Samuel, a quien también retrató en su lecho final.

Sontag aparece en sus buenos momentos -una puesta de sol en Egipto o trabajando en sus libros-, pero sobre todo en los malos, desde que se le diagnostica su enfermedad, cuando es tratada en el hospital, en el momento en que se hace cortar el pelo, y cuando lucha, cuando sufre y cuando muere. La idea de esta exposición surgió cuando Leibovitz preparaba un libro de su obra en los últimos quince años, que también está a la venta y en el que rinde por primera vez homenaje público a Sontag, con quien admite que mantuvo "una historia de amor".

Al seleccionar las imágenes para el proyecto -interesante proceso que queda reflejado en una sección de la muestra-, la artista se dio cuenta de que, pese a lo diferentes que son, sus fotografías públicas y privadas tienen un origen común.

"No tengo dos vidas. Esto es sólo una vida y tanto mis fotos personales como los encargos son parte de ella", concluyó.

Nan Goldin: Noctámbula de la contracultura americana

Nan Goldin es su obra nos muestra el furor por la vida a través de su experiencias, situaciones vividas por sus amigos y por ella misma. No existe obscenidad alguna dentro de ella, ni pudor frustrante. Sus trabajos sobre drag queens son una honestidad al radicalismo de nuestra existencia, no cree en lo feo y la verdad no la encuentra en lo bello.

Una de las fotógrafas americanas contemporáneas más célebres. A través de sus trabajos, calificados a menudo de provocadores e incluso de escandalosos, Nan Goldin nos explica a modo de diario íntimo, la historia de su vida noctámbula en el corazón de la contracultura americana, de la bohemia del East Village de Nueva York.

Sus imágenes nos muestran, frecuentemente, escenas privadas de un realismo brutal pero que  expresan una gran sensualidad. Resultado de la mezcla de colores saturados y de luz artificial empleados.

La visión de Graciela Iturbide

Nuestra Señora de las Iguanas, Oaxaca, 1979

Graciela Iturbide, vive y aprende, mira, fotografía, descubre y sueña. Parte del conocimiento y la integración para conseguir imágenes habladoras, contadoras de historias, representaciones oníricas, influenciadas o no, por su visión.

Mujer Angel, Desierto de Sonora, 1979

“Mi capacidad de interpretación no interviene solamente en el mundo indígena sino también en la ciudad o cuando fotografío a un escritor. Quiero dejar claro que no trabajo en el mundo indígena si no hay complicidad y respeto. No me gusta que me digan que mi fotografía es mágica, esto me pone furiosa. Más me interesaría, y no sé si lo logro, que hubiera una dosis de poesía en mi fotografía. Nunca me hubiera atrevido a decirle a la señora de las iguanas: “ven a mi estudio y te pongo las iguanas en la cabeza”. Simplemente la encontré en el mercado. Creo que todos los fotógrafos hacemos fotografía documental, pero después todo depende de la interpretación de cada quien, si hay más o menos poesía, o imaginación. Pero si insisto sobre el asombro, es porque éste tiene que ver con el mundo que llevas atrás o adentro.”

“Al principio de mis incursiones en zonas indígenas, sufría mucho, me angustiaba cuando me preguntaba por qué estaba interesada en este mundo, me sentía como una intrusa. Llevaba una especie de bitácora de mis viajes, apuntes. Después entendí que yo era fotógrafa y que no tenía por qué avergonzarme de mi oficio. Hay muchos momentos de soledad cuando estás fotografiando, de constante reflexión durante los viajes.”

“A mí me obsesiona más la composición, la imagen, que el tiempo. Para muchos otros cautivar un instante es lo más importante, el tiempo es indispensable porque es el movimiento. Pero como yo no tengo muchas imágenes en movimiento, el tiempo pasa a segundo plano. Por ejemplo, tengo una fotografía de una bicicleta con pollos, que vi en Tlaxcala; me pareció rarísima esta imagen de los pollos con las patas atadas para arriba. En ese momento en que yo estaba fascinada haciendo una foto casi abstracta, pasó una pareja de recién casados, ya mayores, con el polvo de Tlaxcala encima, y solamente su madre atrás de ellos. Me quedé tan pasmada que no los tomé, y me arrepentiré toda mi vida de no haberles sacado una foto. Era como una visión de Pasolini en México: llenos de polvo, con su velo, junto a la bicicleta...Puede haberles dicho: “espérense un momento”, o haberlos retratado rapidísimo. Allí me falló el tiempo, me faltó echarme para atrás y tomar la fotografía. Era una imagen bellísima y patética que se me fue. Igual la tomo rápido y me sale desenfocada, o solamente era mi fantasía, influida por películas de Pasolini o Fellini, la que estaba jugando en ese momento. Estos instantes son regalos de la realidad, y de todas maneras es fantástico vivirlos. Tu ojo y tu imaginación deben estar atentos, pero no pude cautivar ese instante regalado. A lo mejor carezco del “ojo de lince” del que habla Cartier-Bresson, soy más reposada, me quedo con lo que está allí, estático. Antes que el tiempo, me interesa la plasticidad del símbolo.”

“Quizá busqué la sorpresa dentro de lo común y corriente que pude haber encontrado en cualquier parte del mundo. La obsesión inconsciente que tenemos los fotógrafos hace que nos encontremos por doquier con el tema que traemos adentro. Los pájaros que yo busco son el pájaro solitario de San Juan de la Cruz, que tiene que ver con el poeta Attar. Pueden estar en la realidad, pero sobre todo están en mí o podría decirse, que están espiritualmente en la literatura y por eso es difícil descubrirlos en la realidad. La literatura me inspira a buscar el viaje de los pájaros de Attar, que al final llegan a encontrase con ellos mismos en el espejo. Había leído en Borgues la historia de Simurg cuando todavía no pensaba trabajar sobre los pájaros. Pero se ve que me interesaba de tal forma que le mandé este cuento a Abbas, y él, como iraní que además se llama Attar, vuelve a su mundo por este cuento, a fotografiar el Islam”.

El Señor de los Pàjaros

”...siempre prima en mí la necesidad de ir a descubrir el mundo, ver qué pasa y qué me pasa a mí con lo que voy encontrando”.

Por Marisela Murcia
Fuente: Revista poética: Almacén

Bibliografía:
Graciela Iturbide habla con Fabienne Bradu. Colección Conversaciones con fotógrafos. Coeditado por La fábrica, Fundación Telefónica, 2003.
Los que viven en la arena. Instituto Nacional Indigenista.Texto de Luis Barajas. México D.F.,1981.
Sueños de papel. Colección Río de Luz. Presentación de Verónica Volkow. Fondo deCultura Económica. México D.F. 1985.
Juchitán de las mujeres. Ediciones Toledo. Texto de Elena Poniatowska. México D.F. 1989.
En el nombre del padre. Ediciones Toledo. Texto de Osvaldo Sánchez. México D.F. 1993.

Marina Abramovic: el propio cuerpo como medio expresivo

Desde el comienzo de su carrera en Belgrado a principios de los años setenta, Marina Abramovic ha trabajado con el performance concebido como una forma de arte visual. Su propio cuerpo es sujeto y medio al mismo tiempo. Para investigar sus propios límites mentales y físicos, se ha sometido a dolor extremo, agotamiento, peligro y transformaciones emocionales y espirituales.

Para Abramovic, el performance es un intercambio inmediato de energía con el público que inicia con un contacto lo más personal posible. “Nunca podría dar performances privados, en casa, porque no tengo público… Entre más público hay, mejor el performance, más energía recorre el espacio.”

En 1976 Marina Abramovic viajó a los Países Bajos, y conoció al artista visual Uwe Laysiepen (Ulay), con el que trabajaría intensamente hasta 1988. En sus performances colectivos, exploraban sus propios límites hasta un agotamiento físico y mental, para así abrirse a nuevas experiencias. Abramovic y Ulay se autodenominaban “unidad andrógina”. Después de la ruptura, en 1988, de dicha unidad, Abramovic comenzó a desarrollar los llamados Objetos Transicionales (Transitional Objects).

Estos objetos están conformados de materiales naturales tales como piedras semipreciosas o imanes que no tienen una función autónoma – en otras palabras, no tienen la pretensión de ser colocados en un lugar a manera de escultura -, Abramovic las usa para generar experiencia y energía y como ritual de la vida cotidiana, tan pronto eso ocurre se puede precindir de los mismos. Estos objetos también sirven como auxiliares para involucrar activamente al público en el performance y para producir, alterar o transmitir energía. “La gente cambia sólo a través de su propia experiencia”.

Respecto a sus performances de los años setenta, Marina Abramovic se mueve en otra dirección, en la que la participación del público define parcialmente el resultado del trabajo, el visitante se volvía un performer. “El público debe dar un paso histórico y volverse uno con el objeto. Adquirir mucha más experiencia para si”’.  Desde ese momento, todo su trabajo anterior (aquel que trabajaba en soledad), fue denominada bajo el término de Cuerpo Privado (Private Body).



Durante mucho tiempo, el video fue para Abramovic sólo un medio de registro de sus performances. Inicialmente, lo utilizaba como bitácora de su trabajo y para uso personal, para lograr ver el efecto generado por sus performances. Además, a través de las cintas de video, un público más amplio podía familiarizarse con sus trabajos anteriores. Mucho después, el video se convirtió en un medio para tender un puente entre sus performances y sus objetos. A partir de 1995, Abramovic comenzó a utilizar filme y video para realizar sus videoinstalaciones.

Jeff Wall, un fotógrafo que no toma imágenes: las experimenta

Que salga bien la imagen es “lo único” que le importa al fotógrafo canadiense Jeff Wall (Vancouver, 1946). Así que su “primer acto creativo” consiste en “no fotografiar nada”, es decir, “abstenerse de capturarlo, aunque sí experimentarlo, atestiguarlo, sea lo que sea”. Luego, Wall emprende un proceso “reconstructivo o constructivo”, en el que busca la manera de que la experiencia tenida en torno al tema halle la forma de convertirse en una imagen.

Explica: “Hay cosas que cambian. Por ejemplo, algunos de los temas (de sus fotografías), tal vez hayan sucedido en equis lugar, pero los fotografié en otra parte. Seguido regreso al lugar donde vi todo y pienso: ‘bueno, quizá puedo trabajar aquí’; sin embargo, el sitio ya no me parece el adecuado. En el proceso de reconstrucción desarrollo una especie de libertad artística para recrear el acontecimiento.

“Mi objetivo al hacer esos cambios tiene que ver con dar cuenta de cómo fue experimentado el hecho. La transformación que sucede, ya sea reconstrucción o montaje, busca hacer lo que considero una buena imagen”.

Jeff Wall se titula la selección de las búsquedas más recientes del fotógrafo canadiense, que será inaugurada el jueves 5 a las 20 horas en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo. La exposición, su primera en México, consta de sólo 16 imágenes: nueve transparencias a color, colocadas en cajas de luz, y siete impresiones en blanco y negro enmarcadas de manera tradicional, la mayoría creadas entre 2000 y 2007, las últimas de gran formato, con un promedio de seis por ocho pies. Ese mismo día, pero a las 18:30 horas, Wall ofrecerá una plática en el auditorio del museo.

El artista trabaja fotografías individuales, no por series, para “no crear una devoción hacia el tema, lo que reduce mi libertad. No quiero ser un fotógrafo de ese tipo, porque mi devoción es para mis imágenes”.

También le interesa la emoción, elemento relevante en “todo buen arte”. Aclara, sin embargo, que la emoción en sus tomas “no necesariamente es inherente a las personas, sus gestos o sus expresiones. Una imagen puede generar emoción a partir de su composición, sus tonos, la relación de formas, etcétera. La figura tal vez sea sólo parte de esa construcción del sentimiento. Así que me interesa una relación emocional entre el cielo y el horizonte, entre un tono oscuro y otro más claro, entre un elemento vertical y uno horizontal”.

Entre lo real y lo provocado

De niño, Wall pintaba y dibujaba. Siendo adolescente empezó a interesarse por la fotografía “en el contexto del marco de referencia experimental y radical de los años 60 –tenía 18, 19 años–, mediante el arte conceptual y al tratar de involucrarme con lo que sucedía en aquel entonces”. De niño, acota, “me interesaban más los pintores de antaño. Me fascinaba Picasso y los artistas de ese tipo. Eso se mezclaba con mi interés por la fotografía, porque tenía el ejemplo de lo que la pintura podía hacer como arte visual, que siempre influyó en mi manera de ver la foto”.

En 2002, Wall recibió el premio internacional de la Fundación Hasselblad en fotografía. En lo que va del nuevo milenio el artista ha tenido exposiciones en la Tate Modern, en Londres; en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Instituto de Chicago, el Museo de Arte de San Francisco y el Deutsche Guggenheim, en Berlín.

Trabaja tanto a color como en blanco y negro: “Comencé a trabajar en color en los años 70, quería usar blanco y negro, pero no tenía los medios. Tardé mucho en lograrlo. Cuando empecé no tenía cámara, ni estudio, ni equipo de ningún tipo. Cuando podía conseguía el equipo prestado. Poco a poco conseguí esto, lo otro, compré una cámara y después de 15 años conseguí un lugar donde fue posible construir un cuarto oscuro con la finalidad de lograr el tipo de impresiones que quería. Mis fotos en blanco y negro tienen que hacerse de cierta manera y me tomó mucho tiempo realizarlas”.

Con las fotos de Wall, el espectador a veces pregunta si lo que ve realmente pasó o fue provocado: “En muchas de mis imágenes colaboro con las personas, preparo cosas; en ese sentido son lo que llamo cinematográficas, porque están hechas a la manera de las tomas fílmicas. Pero durante ese proceso muchos accidentes tienen lugar, muchos cambios suceden en el proceso de hacer esa película. Así que no existe una línea divisoria real, absoluta, clara entre lo que fue capturado y lo que fue ejecutado. Allí es donde está más ahora la fotografía, trabajando con la indefinibilidad de estos dos polos aparentes”.

Texto: Merry MacMasters, La Jornada